CINEMA DIARIES

Призрак дома на холме / The Haunting (1963)
Режиссер: Роберт Уайз
Оценка: ★★★★★

✍️ Роман американской писательницы Ширли Джексон «Призрак дома на холме» до сих пор стабильно входит в списки классической хоррор-литературы и считается эталонной повестью о «доме с привидениями». Однако творчество Джексон никогда не укладывалось в рамки определенного жанра, поскольку тексты ее произведений в первую очередь ценились за мастерство рассказчика, которым писательница владела в совершенстве, неоднозначность трактовок и открытые, зачастую даже обескураживающие финалы. Пускай сюжет «Призрака дома на холме» был построен по всем законам жанра мистической литературы (исследователь паранормальных явлений собирает в роскошном и одновременно жутком особняке с дурной репутацией троих незнакомых друг с другом людей, имеющих опыт столкновения с неведомым), на поверку эта книга оказывалась щемящей историей одиночества заблудшей души, которая стремится обрести покой и собственный угол.

В свое время критики безжалостно разгромили ремейк «Призрака дома на холме» 1999 года за авторством Яна де Бонта, поскольку фильм представлял собой банальную страшилку про борьбу со злобным духом-детоубийцей, ценность которого заключалась лишь в роскошных циклопических декорациях и эффектной атмосфере. Драматургия фильма Роберта Уайза («Вестсайдская история») в самом деле не сравнима со сценарием новодела, поскольку не только максимально уважительно обращается с литосновой, но и умудряется захватить внимание безо всяких масштабных спецэффектов, поскольку авторы прекрасно понимают – гораздо сильнее пугает то, чего не видишь и не понимаешь.

Довольно смело для своего времени фильм преподносит тему подавленных желаний, что отлично прописано на примере взаимоотношений главной героини, забитой тихони Нелл, и ее полной противоположности – раскованной, дерзкой и эмансипированной Тео. Сценарий при этом постоянно обманывает зрителя, то и дело подкидывая порцию доказательств как в пользу мистической подоплеки событий, так и сугубо рациональных, не давая при этом однозначных ответов. Как жанровый продукт картина, впрочем, работает безупречно (Стивен Спилберг назвал фильм одним из любимых хорроров юности, а Мартин Скорсезе вообще поместил его на первое место в списке самых страшных лент), хотя в настоящее время она не столько пугает, сколько завораживает.

При помощи верно подобранных ракурсов, изобретательной операторской работы и блестящей игры Джули Харрис, идеально воплотившей свою испуганную и растратившую молодость Нелл, фильм рассказывает не столько историю о мрачном особняке, где по ночам кто-то колошматит в двери и пытается свести главную героиню с ума. Как и в книге, это, в первую очередь, трагедия несчастной женщины, которой жизнь не оставила никаких шансов и потому обретение угла в страшном доме с жутким прошлым для нее - единственный шанс на долгожданное счастье, который в итоге также оказывается призрачным, ведь всё, что обитает в Хилл-Хаусе, обречено обитать там в вечном одиночестве.

#Киномнение
🔥 Ждите #ВпереводеGenco

Дом восковых фигур / House of Wax (1953)
Режиссер: Андре де Тот
Оценка: ★★★★

✍️ Тема восковых фигур, задействованных в хорроре, была одним из излюбленных сюжетов фильмов ужасов прошлого века. Но самым кассовым и окупаемым до сих пор остается фильм Андре де Тота «Дом восковых фигур» 1953 года, ремейк картины 1933 г. «Тайна дома восковых фигур», который при бюджете примерно в 1 миллион долларов (порядка 8-11 млн в современном эквиваленте) собрал немыслимые на тот момент 23 миллиона (то есть, свыше 460 миллионов по современным меркам).

Сюжет картины довольно бесхитростный – в начале ХХ века бизнес-партнер великого нью-йоркского скульптора Генри Джаррода решает спалить его музей восковых фигур, считая, что выплата по страховке принесет гораздо большую прибыль, нежели сам музей. Генри удается выжить в пожаре и даже открыть новый музей, поражая публику не только фотореалистичными восковыми манекенами, но и воссозданными сценами казней и преступлений. Что самое интересное, лица экспонатов поразительно напоминают людей, считающихся пропавшими без вести.

Разумеется, грандиозную кассу картине сделал революционный формат 3-D, в котором боссы студии Warner Bros видели большой потенциал (кстати, специалисты до сих пор отмечают умело выстроенный под «тридэ-эффект» кадр, несмотря на то, что режиссер был слеп на один глаз и ставил кино, опираясь на профессионализм съемочной группы). А вот любимцем критики в год выхода он не стал – суровые эстеты кивали на избыток «дешевых трехмерных трюков» в ущерб сюжету, особенно сцены с уличным зазывалой, которые сочли глупыми и неуместными, а также прямолинейный и предсказуемый сюжет без какой-либо интриги, как и угождение низменным потребностям публики. Сказалось и воздействие кодекса Хейза, поскольку данная картина была снята на пике его жесточайшей цензуры, отчего острые углы сгладились по сравнению с оригиналом 1933 года – вместо дерзкой и самостоятельной главной героини зритель получил банальную и крикливую «девицу в беде», а один из персонажей, страдавший от героиновой зависимости, оказался обычным алкоголиком (кстати, искушенный зритель заметит, что роль пособника Джаррода по имени Игорь сыграл Чарльз Бронсон, указанный в титрах под своей настоящей фамилией Бучински).

Со временем ситуация кардинально изменилась. Картина стала входить в различные жанровые хит-парады «самых-самых» и отныне признана абсолютной классикой хоррора. Столь высокой честью фильм обязан не простенькому сюжету и устаревшим «трехмерным» эффектам, а отточенному визуальному стилю и роскошному Винсенту Прайсу в роли злодея. Пораженная публика увидела не просто сумасшедшего убийцу, а статного, утонченного, преданного своему делу мастера с изысканными манерами, сияющими глазами и вкрадчивым голосом, что впоследствии превратило актера в подлинную икону фильмов ужасов, а фильму придало оттенок респектабельности и благородства. Разумеется, в настоящее время напугать всерьез картине точно не удастся - скорее, ее стоит рассматривать как красочную и атмосферную страшную сказку, наивность которой придает ей свой особый шарм и даже очарование, что особенно легко ощутить в промозглый осенний вечер, уютно устроившись перед экраном и погрузившись в эпоху старой доброй жанровой классики.

#Киномнение
🔥 Ждите #ВпереводеGenco

#КОРОЧЕ: Подзабив ненадолго из-за занятости на канал (прастити), возвращаюсь с рубрикой «Короче», в которой, как и положено в октябре, речь пойдет о разных страшилках, мистике, фантастике  и прочем макабре. Итак, что же удалось посмотреть за последнее время и о чем можно высказаться максимально емко:

🎬 На краю Оук-стрит / The End of Oak Street (2026): ★★★

- Создатель «Оно идет за тобой» Дэвид Роберт Митчелл зачем-то решил поиграть в Спилберга и забацал блокбастер с динозаврами и семейными ценностями, в котором тихий американский пригород 80-х превращается в парк юрского периода. От хитов Стива этот фильм отличается тем, что динозавры тут очень кровожадные, а также много какают и даже занимаются сексом, попутно пытаясь съесть Юэна Макгрегора и Энн Хэтэуэй. Смотреть из-за них фильм вовсе не обязательно, уж лучше дождаться возвращения режиссера в более привычную и подходящую для него психоделическую киносреду - на данный момент он зря тратит время.

🎬 Обитель зла / Resident Evil (2026): ★★★★

-  Ни разу не фанат глянцевой и однообразной «Обители зла» с Миллой Йовович, так что делаю однозначный выбор в пользу свежей версии от определенно лучшего современного спеца по маскультному хоррору Зака Креггера («Варвар», «Орудия»), что превратил набивший оскомину сюжет про зомбаков и коварную корпорацию Umbrella в эффектный, одинаково жутковатый и забавный экшн-ужастик. Сценарий, конечно, мог бы быть позабористее и насыщеннее, а финал – менее зажеванным, да и вообще порой казалось, будто Креггер торопился, но даже в таком виде его картина одной левой уделывает всю франшизу с Миллой.

🎬 Левит / Leviticus (2026): ★★★

- Концептуально очень сильная и трагическая история о том, как неприятие инаковости обнажает в людских душах зло гораздо большее, нежели мнимая «греховность», которой все же не удалось раскрыть на полную свой потенциал. Хотя снято и сыграно довольно компетентно, у фильма есть очевидные проблемы с логикой, мотивацией, психологизмом и проработкой образов, а также темпом, что превращает «Левит» лишь в подражание «It follows», причем на порядок слабее. Зато после просмотра осознаешь, как летит время – Миа Васиковска уже играет матерей старшеклассников.

🎬 Подростковый секс и смерть в лагере «Миазма» / Teenage Sex and Death at Camp Miasma (2026): ★★

- Перемудренная, напыщенная и чрезмерно амбициозная метаирония на тему киноманства и метаужастиков (конкретно, приколов над штампами слэшеров а-ля «Пятница 13»), в котором молодая энергичная режиссерка пытается вовлечь звезду выдоенной франшизы «Лагерь «Миазма» в свой новаторский ремейк. Из положительных впечатлений тут лишь роскошная Джиллиан Андерсон, кайфующая от роли «последней девушки» в образе Нормы Десмонд из «Бульвара Сансет», но все остальное – претенциозная невнятная ерунда, в глубине которой можно накопать кое-что на тему «как кино влияет на всю последующую жизнь». Но, если честно, желание копаться в нем отбивается уже к середине.

🎬 Пиноккио: Раскрепощённый / Pinocchio: Unstrung (2026): ★★★

- Похоже, Рис Фрейк-Уотерфилд, режиссер разруганного всеми трэша «Винни-Пух: Кровь и мед» внимательно выслушал упреки в свой адрес и принял замечания к сведению, однако трэш снимать не перестал, продолжив развивать свою любимую «Вселенную извращенного детства». Его версия «Пиноккио», в которой содержится масса отсылок к классике лампового хоррора, включая «Кукол» Стюарта Гордона и даже забытой «Мести Пиноккио» Кевина Тенни, уже не так отстойна, как его предыдущие опусы – в первую очередь, это довольно лихое кровавое развлечение с неожиданно впечатляющими практическими эффектами и светлячком, похожим на Фредди Крюгера и озвученным Робертом Инглундом. Но трэш остается трэшем, так что предъявлять серьезные претензии к качеству сценария, режиссуры и актерской игры не стоит, поскольку «смотрибельно» для работы Фрейк-Уотерфилда – уже комплимент.

Бумажный дом / Paperhouse (1988)
Режиссер: Бернард Роуз
Оценка: ★★★★

✍️ Английский режиссер Бернард Роуз известен, в основном, созданием отличного урбанистического хоррора «Кэндимэн» и спорной, но достаточно качественной драмой о жизни Бетховена «Бессмертная возлюбленная» (ну и еще неудачной версией «Анны Карениной» с Софи Марсо). Но был в начале его карьеры фильм, о котором многие не знают вообще, либо не помнят – пугающая и драматичная фантазия «Бумажный дом», снятая по мотивам детской повести Кэтрин Сторр «Сны Марианны» и приведшая в восторг многих критиков, в частности, Роджера Эберта, который щедро выставил картине 4 звезды из четырех.

Юная Анна наделена неуживчивым, колючим характером и очень живым воображением: когда во время урока она решает нарисовать на листке бумаги домик, он внезапно начинает ей сниться чуть ли не каждый день. Со временем в доме появляется жилец – маленький мальчик по имени Марк, который не умеет ходить и в своих снах Анна становится его подругой. Граница между реальностью и снами стирается окончательно, когда девочка заболевает и узнает, что Марк существует на самом деле, а в ее придуманном доме вскоре поселятся настоящие кошмары.

Кино с самого начала не пытается поразить зрителя ни циклопическими декорациями в духе «Клетки», ни пышным ментальным королевством «Лабиринта Фавна» со сложными моральными дилеммами, ни пронзительной трагедией с дорогими спецэффектами типа «Голоса монстра». Оно столь же простое и сложное, как и детство, и взросление, и для передачи противоречивого мира Анны Роузу вовсе не нужны высокий бюджет и умопомрачительный сеттинг. Визуальная фантазия девочки ограничена простым рисунком, какой может нарисовать абсолютно любой ребенок, скучая на уроке, и потому целью декораторов была именно материализация этого детского примитивизма с кривыми линиями, бесхитростной рисовкой и скудным наполнением интерьеров – но от этого кино кажется еще более сюрным и психоделичным (без ощутимого влияния полотен Эндрю Уайетта тут, впрочем, тоже не обошлось).

Как бывший клипмейкер, Роуз прекрасно работает с лаконичными образами, воссоздавая на экране фантазии Анны, меняющиеся с каждым новым днем, через которые девочка пытается передать радость, любопытство, иные, неизвестные доселе чувства и, конечно же, тревогу. Особенно ярко на фоне этого эскапистского пейзажа вырисовывается образ папы - находящегося в отъезде бывшего алкоголика, на которого девочка затаила обиду (наверное, картины, где Отец как персонаж выглядел таким страшным, можно пересчитать по пальцам). И, пускай кое-какие моменты сейчас могут показаться наивными или не до конца проработанными, «Бумажный дом» совершенно точно заслуживает внимания в качестве очень неглупой притчи о взрослении и столкновении ребенка с первыми сложными чувствами и непростыми житейскими ситуациями. А еще благодаря ему мы лишний раз можем убедиться, насколько сильно способно напугать человека его собственное воображение.

#Киномнение
🔥 Ждите #ВпереводеGenco

Свободные люди / Sovereign (2025)
Режиссер: Кристиан Суигал
Оценка: ★★★★

✍️ Безусловно, человек является существом, которое рождено свободным и имеет на нее полное право. Но и у свобод есть ограничения, иначе мир давно бы скатился в анархию, однако некоторые радикально настроенные граждане убеждены, что ради борьбы с установленными законом рамками стоит жертвовать очень многим, включая жизни. Например, представители радиального движения «суверенных граждан» выстроили собственные отношения с государственным миропорядком, считая, что федеральные правительства, суды и законы не имеют над ними никакой власти. Одним из таких был американец средних лет по имени Джерри Кейн, который ездил по стране с сыном-подростком Джо и проводил платные семинары, рассказывая, как можно обходить законодательство и не платить налоги вместе с долгами. Его не смущает, что мальчик, находящийся на домашнем обучении, фактически лишается права на нормальную молодость, образование и социализацию, поскольку для Джерри нет ничего страшнее, чем превратить сына в послушного правительственного раба. Вот только закон отнюдь не на его стороне: однажды банк начнет выдавливать самого Джерри из дома по причине непогашенного по его личному желанию долга. И тогда градус агрессии, уже давно кипевшей в его неадекватном сознании, непременно достигнет критической точки.

В основу фильма были положены события 2010 года, предшествующие кровавой перестрелке в штате Арканзас, в результате которой погибли несколько человек. Поскольку в реале всю информацию о Джерри Кейне собирали постфактум, режиссер и сценарист этого фильма, дебютант в полном метре Кристиан Суигал постарался рассмотреть данного персонажа со своей точки зрения – то есть, преподнести аудитории не однобокого террориста, а жертву собственных заблуждений и тотального выпадения из реальности. В итоге на экране мы видим человека, который одновременно пытается быть хорошим отцом, искренне верит в собственную правоту и пытается помочь людям в беде, но категорически не понимает одной простой истины: нравится это или нет, но у социума (благами которого Джерри, кстати, очень хочет пользоваться) есть свои правила и порой ради мирной, спокойной жизни следовать им гораздо проще, чем обрекать себя и свою семью на бесконечные и довольно бессмысленные конфронтации со всеми и вся.

Хотя картина не копает особо глубоко и не претендует на откровение, Суигал справился более чем достойно, выдав скромное, но цепляющее кино о том, к какой трагедии приводит борьба с системой, учитывая априори провальные тактики. Поскольку Джерри не раз упоминает о так называемом «соломенном чучеле», юридическом фантоме, «созданном» государством для каждого человека, не имеющего ничего общего с существом из плоти и крови, режиссер противопоставляет здесь две родительские пары, противоположные и контрастные от А до Я, заставляя задуматься, настолько ли страшно функционировать в этом мире как «бюрократический винтик». Плюс Суигал прекрасно нагнетает экранное напряжение, которое медленно, но верно растет, учитывая, что зритель прекрасно понимает, чем тут все закончится. И как же хорош здесь дуэт экстраверта Ника Оффермана и интроверта Джейкоба Тремблэя (да, тот самый мальчик из «Комнаты» наконец вырос), в роли Джерри и Джо Кейнов, которые во многом ничем не отличались от самых обычных отца и сына, но в итоге сгубили свои судьбы, ввязавшись в бесславный и обреченный на проигрыш бой.

#Киномнение
🔥 Ждите #ВпереводеGenco

📝 КОЛОНКА РЕДАКТОРА

🔥 Завершился кинофестиваль «Встречи в Сибири», и мы, команда переводчиков Genco в составе меня и моего уважаемого коллеги Павла Багаева, вновь возвращаемся к собственным проектам. Хотим искренне поблагодарить Денира Курбанджанова и Ольгу Симоненко за приглашение к сотрудничеству: работа над переводом фильмов-участников была для нас не просто огромным удовольствием, но еще и уникальным, незабываемым и очень ответственным опытом. Еще раз огромное спасибо вам, будем рады новому сотрудничеству!

Мектуб, моя любовь: Песнь первая / Mektoub, My Love: Canto Uno (2018)
- - - - - - - - -
Мектуб: моя любовь: Песнь вторая / Mektoub, My Love: Canto Due (2025)
Режиссер: Абделатиф Кешиш
Оценка: ★★

✍️ Еще во время просмотра фестивального хита Абделатифа Кешиша «Жизнь Адель» о его режиссерском почерке моментально сложилась следующая характеристика – он обожает снимать откровенный секс, затягивает бытовые сцены и часто ходит по кругу. Но если картина с участием Адель Экзаркопулос и Леи Сейду еще могла затронуть моментами искренности и неплохо выписанными характерами, то его амбициозная дилогия «Мектуб: Моя любовь» (вообще-то, он задумывал трилогию, но, похоже, сегмент под названием «Интермеццо» надолго лег на полку из-за секс-скандала и критического разгрома) лично для меня оказалась тем еще испытанием.

Кино являет собой киноадаптацию книги писателя Франсуа Бегодо «Настоящая рана», сюжет которого чисто условный и по драматургическому уровню мало чем отличается от пубертатной ерунды вроде саги «После»: главный герой, молодой интеллигентный красавчик Амин бросает медицину ради карьеры сценариста и пишет что-то якобы гениальное про человекоподобных роботов, дружит с девушкой Офели, которая готовится к свадьбе с воякой Клеманом, но, пока тот служит в горячих точках, жарко шпилится с местным мачо Тони, от которого во второй части залетает (в «Интермеццо» она занимается оральным сексом еще с одним приятелем), а вокруг них вертится толпа родственников, чьи связи друг с другом установить почти невозможно, как и прочие незапоминающиеся персонажи.

Многие рецензенты не раз писали о якобы уникальном мастерстве режиссера по части воссоздания реализма в кадре, буквально выдалбливаемого из актеров сотнями дублей а-ля Кубрик, однако эта «глубокая искренность» абсолютно ничего не дает самому фильму, поскольку он являет собой абсолютную пустоту. На первых порах картина вполне могла бы сработать как легкая зарисовка о лете, страсти и молодости, но три часа болтовни, флирта и закольцованных, однообразных сцен кажутся чистым издевательством над зрителем, а все попытки разглядеть в почерке Кешиша уникальность, смелость и трансгрессию в духе Гаспар Ноэ или Верховена кажутся смехотворными проявлениями синдрома поиска глубинного смысла.

Из-за того, что большая часть сцен построена на импровизации, диалоги в «Мектубе» попросту ужасны – как правило, это банальные односложные реплики, которые повторяются раз по пять, поскольку персонажи постоянно друг друга переспрашивают. Герои не развиваются совершенно и, будучи потенциально сложными, в итоге остаются одномерными и неинтересными. Амин томно смотрит на всех вокруг, но ничего не говорит, а только наблюдает (чаще всего – за чужим сексом), Тони, пардон, трахает все что движется, Офели вертит перед камерой огромной пятой точкой и не пойми чего хочет от жизни, а остальные путаются у них под ногами, ежеминутно нахваливая кускус и внезапно пускаясь в пляс под восточную музыку.

После грандиозного скандала с «Интермеццо» Кешиш умерил свой радикальный эротический натурализм, но выяснилось, что без откровенного секса в кадре он как сапожник без сапог, поскольку, лишив кино смачной демонстрации половых актов, в нем практически ничего не осталось, так как вайб затянувшейся пляжной вечеринки и безделья исчерпал себя еще к концу первой части. Любопытно, что на сей раз Кешиш затащил в проект настоящую порноактрису, Джоди Тейлор, снявшуюся в «Мектубе» под псевдонимом Джессика Пеннингтон, однако никаких откровенных сцен с ней почти не снял, а единичный и довольно неуклюжий эротический эпизод по сравнению с предыдущими провокациями режиссера выглядит чуть ли не целомудренно. Одно остается непонятным: если для некоторых фестивальных постановщиков объективация женских тел и сцены совокуплений настолько дороги, что ради них они готовы жертвовать карьерой и репутацией, то им просто нужно перейти в более подходящий жанр – порно, уж там никто не станет ругать за 13-минутный куннилингус в туалете или четыре часа трясущихся ягодиц. А фестивального вакуума достаточно и без Кешиша.

#Киномнение
#ВпереводеGenco

Зловещие мертвецы: Пекло / Evil Dead Burn (2026)
Режиссер: Себастьян Ваничек
Оценка: ★★★★

✍️ Умное кино - это, конечно, замечательно, но порой мозг тоже должен отдыхать от выдалбливания в нем новых извилин, а в моем случае расслабляться удается при просмотре картин двух категорий: на хоррорах (да-да) и умиротворяющих созерцательных анимешках. Не скажу, что являюсь большим фанатом саги «Зловещие мертвецы» (хотя в детстве кирпичей с них было отложено немало), да и последние, свежие серии цикла оставили меня скорее положительно-равнодушным, нежели восторженным. Больших ожиданий относительно «Пекла» у меня тоже не было, да и перехваленный предыдущий фильм француза Себастьяна Ваничека про пауков и каких-то гопников энтузиазма не вызвал никакого. Тем удивительнее было признать, что данная серия оказалась лучшей среди всех перезагрузок франшизы, влившая изрядную порцию свежей крови во всех смыслах.

Главной героиней на сей раз становится француженка Алис, которую угораздило выйти замуж за токсичного американского красавчика Уилла, чьи родственники словно соревнуются между собой, кто же из них подлее, эгоистичнее и мерзотнее. Самая жесть начинается после гибели Уилла в жуткой автокатастрофе, поскольку смазливого деспота давно присмотрели силы Тьмы и несчастная Алис (чье имя свекровка и прочая родня нарочито произносит на английский манер), приехавшая на его поминки, окажется в эпицентре поистине адского пиршества.

Хотя «Черная книга» и «Восстание зловещих мертвецов» были сняты довольно качественно и атмосферно, был в них все же какой-то элемент рутинности что ли, отчего кровавое зрелище приедалось уже где-то через час. Ваничек не только удачно преподносит хоррор-составляющую как меткую психологическую метафору людских пороков, их высвобождения и способов борьбы с ними, но и старается не повторяться, придумывая массу пробирающих до мурашек сцен и преподнося их максимально эффектно и натуралистично. Разумеется, от «Зловещих мертвецов» не стоит ждать хитроумного сюжета и высот актерской игры (хотя все присутствующие в кадре люди работают максимально компетентно в рамках предложенного), поскольку это в первую очередь зрелище в чистом виде, чья движущая сила – атмосфера, визуальный шик и шок-контент.

Без тени сомнения можно сказать, что «Пекло» однозначно вышло самой жестокой, даже изуверской частью франшизы, насилие и ранения в которой преподносятся почти с хирургической точностью, поражая вниманием создателей спецэффектов к деталям. Если во многих голливудских ужастиках «кровь-кишки» воспринимались чуть ли не со смешками, то в данном случае от наблюдения за обваренными конечностями и рваными ранами становится почти физически больно – именно таким талантом по части изображения графического насилия обладал в свои лучшие годы другой француз, Александр Ажа. А если помножить изобретательное членовредительство на виртуозную операторскую хореографию, динамику и драйв, то и вовсе получим на выходе хит, достойный просмотра на большом экране, а не просто шаблонный ужастик.

#Киномнение

Отпуск в сентябре (1979)
Режиссер: Виталий Мельников
Оценка: ★★★★★

- Утро Виктора Зилова, инженера из Центрального бюро технической информации, как-то не задалось, когда соседский мальчик вдруг приносит ему траурный венок с надписью «от безутешных друзей». Будучи один в новой квартире, Зилов пытается позвонить хоть кому-то, чтобы поговорить и постараться осмыслить, что же происходит в его жизни сейчас, когда рядом нет ни жены, ни любовницы, ни приятелей-коллег. Единственное, что вызывало в нем хоть какой-то интерес – поездка на утиную охоту в сентябре, которая тоже начинает казаться чем-то призрачным и несбыточным.

✏️ Порой трагедия многих деятелей искусства заключена в том, что они могут ярко творить, лишь не менее ярко сгорая при этом – и Олег Даль был из их числа. Анатолий Эфрос описывал его как «замкнутого, нетерпеливого, убийственно остроумного и невыносимого», он шел на дикие, противоречащие здравому смыслу поступки, бросая театральные постановки за несколько дней до премьеры и отказывая таким именитым кинорежиссерам как Динара Асанова и Александр Митта, будучи при этом невероятно требовательным к самому себе и страдая от алкогольной зависимости. И тем логичнее кажется его выбор партии Зилова в экранизации тягостной пьесы Александра Вампилова «Утиная охота», где Даль сыграл одну из своих лучших ролей, изобразив человека, так похожего на себя самого – поддающегося внутренней свободе, позволяющей ему говорить правду в лицо переступая любые границы, но терять при этом все контакты с друзьями и близкими, разрушать, предавать, а в глубине души все равно надеяться на счастье. Он действительно будто даже не играл, а существовал в кадре наедине с самим собой, словно переосмысляя собственную жизнь, которая, наверное, могла сложиться совсем иначе.

При этом на его фоне совершенно не теряется плеяда других замечательных актеров – Евгений Леонов, Наталья Гундарева, Юрий Богатырев, но особенно хороша прекрасная Ирина Купченко, блестяще сыгравшая сложную роль Галины, все еще любящей супруга и тщетно ожидающей светлого будущего. Она идеально отобразила образ, описанный Вампиловым: «В её облике важна хрупкость, а в её поведении — изящество, которое различимо не сразу и ни в коем случае не выказывается ею нарочно», особенно ярко её персонаж проявляется в пронзительной, болезненной сцене воспоминаний первого признания в любви, превращающейся из романтической в горький надрывный фарс. Спасибо и режиссеру Виталию Мельникову, уже переносившему на экран другой текст Вампилова, «Старший сын», и строго придерживавшемуся букве пьесы. Он тщательно выстраивает атмосферу унылого мещанского быта, способного оказаться настоящим адом, стоит лишь представить, что человека в жизни не ждет ничего, кроме пустой комнаты с болтающейся лампочкой и пустые новостройки посреди распаханной стройтехникой целины, вид на которые смазан непрекращающимся дождем. Неудивительно, что столь пессимистичный взгляд на трагедию поколения и мрачный экзистенциальный кризис не нашел должного отклика в свое время и был положен «на полку», попав на телеэкраны лишь летом 1987 года, через шесть лет после смерти Олега Даля.

#Кинорецензия

Без крыши, вне закона / Sans Toit Ni Loi (1985)
Режиссер: Аньес Варда
Оценка: ★★★★

- В канаве близ виноградников находят окоченевшее тело молодой девушки, чья грязная и замызганная одежда вся пропиталась вином. Поскольку документов при ней не было, опознать покойную никто не смог, следов насильственной смерти тоже не обнаружили. И только опрашивая посторонних, самым случайным образом контактировавших с бродяжкой, начинает складываться кое-какая картина её загадочной личности.

✏️ Один из самых титулованных фильмов выдающейся французской постановщицы Аньес Варда, сторонницы документального реализма, сорвал настоящий банк на МКФ в Венеции, где завоевал 3 приза, включая Золотого льва, а также принес премию «Сезар» исполнительнице главной роли Сандрин Боннер. Исключительно ярко живописуя странствия девушки, представившейся Моной, она выбирает очень интересную манеру рассказа, когда о характере человека говорит не он сам, а посторонние, опирающиеся как на очевидные факты, так и на домыслы, основанные на собственных представлениях о жизни и морали. Тем самым в процессе общения с Моной больше раскрываются именно эти люди, чьи суждения о девушке и её модели поведения прежде всего отражают внутренний мир их самих – кто-то считает её бомжихой и шлюхой, кто-то завидует её свободе или думает, что она счастлива в личном плане, кто-то жалеет чисто по-человечески, а кто-то запросто может ограбить или изнасиловать.

При этом Варда вовсе не романтизирует люмпенизацию или бродяжнический образ жизни. Мона в самоотверженном, исключительно правдоподобном исполнении Сандрин Боннер лишь поначалу кажется довольной своим положением странницей, которой наскучила роль офисного планктона, плывущего сквозь серые и безликие будни. Варда же уверена, что человек – вовсе не одинокий волк, времена дикарства давно позади и подобное скитание рано или поздно приведет к трагедии. Отказываясь от многих шансов, подаренных судьбой и хорошими людьми (предложенный молодым фермером рациональный дауншифтинг девушкой также отвергается), рано или поздно Мона столкнется с преступностью, наркотиками, алкоголем, деструктивными личностями и погодными ненастьями, укрыться от которых вряд ли возможно в грязной палатке. Хиппозный бессмысленный бунт Моны не несет за собой ничего, кроме медленных шагов в бездну, поскольку на этом пути нет никакой свободы и независимости, лишь голод, холод, болезни и неминуемая гибель в одиночестве, вдали от всех.

#Кинорецензия

Гадкая сестра / Den Stygge Stesøsteren (2025)
Режиссер: Эмили Блихфельдт
Оценка: ★★★★

✍️ Знаменитые пушкинские строки «сказка ложь да в ней намек» идеально иллюстрируют тезис о том, что формат сказок был, есть и будет идеальной формой, в которую облекается поучительная притча. Если вдуматься, даже в самой простой и наивной детской побасенке легко считываются довольно мудрые посылы, а удобоваримый и ненавязчивый повествовательный формат с легкостью помогает их усваивать. Однако, принимая на веру фантасмагорические сюжеты, читатели редко задумывались, какая жесть могла на самом деле за ними скрываться. Несколько лет назад итальянец Маттео Гарроне превосходно адаптировал знаменитую «Сказку сказок» Джамбаттисты Базиле, где жутковатые сюжетные перипетии толковались в натуралистичном и жестком ключе, ну а после успеха боди-хоррора «Субстанция» на свет появилась норвежская версия «Золушки» под названием «Гадкая сестра» - злая, едкая и по-хорошему отвратительная.

Многим читателям Золушка запомнилась героиней милой и доброй сказки про трудолюбие, волшебство, силу любви и торжество справедливости благодаря Шарлю Перро. Однако версия братьев Гримм была значительно жестче и кровавее, особенно досталось в ней коварным сводным сестрам – желая, чтобы вожделенная туфелька пришлась им впору, они отрубают себе пальцы на ногах и пятки, а в финале волшебные голуби и вовсе выклевывают им глаза (говорят, по версии того же Базиле, Золушка лично укокошила первую мачеху, сломав ей шею крышкой сундука). Вдохновившись столь мрачной трактовкой и посмотрев «Автокатастрофу» Кроненберга вместе с «Тремя орешками для Золушки», постановщица Эмили Блихфельдт поведала знакомую историю не с точки зрения затырканной прекрасной замарашки (которая в данном фильме даст прикурить кому угодно), а ее сводной сестры Эльвиры, желавшей покорить принца всеми возможными способами и потому согласной абсолютно на любые средства ради достижения цели.

«Гадкая сестра», конечно, не столь сильна, как «Страшные сказки», но смелость постановщицы, помноженная на изысканный визуальный ряд, впечатляющие грим-эффекты (заслуженная номинация на «Оскар»), превосходную игру юной Леа Мюрен в роли Эльвиры и абсолютную бескомпромиссность по отношению к зрителю производят впечатление. В этой истории практически нет положительных персонажей и даже ангелоподобная Агнес-Золушка далека от совершенства. Сама Эльвира не вызывает ничего, кроме жалости, поскольку в ее поведении психологически очень точно выписана патологическая натура, помешанная на красоте до такой степени, что соглашается на самые немыслимые манипуляции со своим телом – впечатлительной аудитории искренне советую смотреть фильм натощак, ибо волшебное средство для похудения, предложенное «феей-крестной», рискует вывернуть ваши желудки наизнанку и заставит тщательнее мыть руки перед едой.

Как рассказчица Блихфельдт еще не слишком опытна, она порой прибегает к повторяющимся моментам и слегка затягивает картину в середине, однако ее талант к умному эпатажу несомненен, как и умение эффектно строить мизансцену. Например, откровенные и довольно смелые секс-эпизоды выдержаны в духе винтажной провокационной эротики подзабытого ныне Валериана Боровчика, а хрестоматийные сказочные тропы довольно тонко и метко обыгрываются с точки зрения вполне современных реалий без надоевших штампов «Шрека». Так что «Гадкая сестра»- совершенно точно зрелище не для мальчиков и девочек, а их родителей, способных разглядеть в эстетизации отвратительного довольно печальную и глубоко болезненную историю о трагических последствиях неприятия себя.

#Киномнение

🔪🩸Некоторое время назад рецензент и писатель Алексей Холодный, один из авторов и руководителей проекта «Русский хоррор», любезно пригласил меня принять участие в дискуссии, посвященной феномену азиатских фильмов ужасов. Летом мне выпал еще один шанс влиться в обсуждение «страшного кино» - на сей раз мы с коллегами беседуем о приемах и стилистических особенностях такого специфического поджанра, как «джалло», кровавого итальянского детектива, отличающегося изобретательным графическим насилием и изысканным аудиовизуальным рядом.

Дискуссия доступна по ссылке тут

Истории из Доброй долины / Historias del Buen Valle (2025)
Режиссер: Хосе Луис Герин
Оценка: ★★★★

✍️ Любите уютные, созерцательные и неспешные документальные фильмы на острые социальные темы с искренними душевными нотками? Тогда для вас станет настоящим подарком одна из последних работ испанского режиссера Хосе Луиса Герина («Поезд теней») под названием «Истории из Доброй долины», завоевавшая специальный приз жюри на МКФ в Сан-Себастьяне. Под пристальным взглядом камер оказываются жители Вальбоны - уникального многокультурного района на окраине Барселоны, буквально зажатого между рекой, шоссе и железной дорогой, на чьи судьбы существенно повлияла джентрификация.

Изначально фильм должен был представлять собой видеоинсталляцию по заказу Музея современного искусства Барселоны, посвященную жизни населения малообеспеченных районов, однако атмосфера Вальбоны и ее жители настолько сильно впечатлили постановщика, что обычный выставочный видеопроект быстро превратился в полнометражный фильм. Поскольку Герин хотел, чтобы жители были с ним предельно откровенны и смогли донести до зрителей собственное мироощущение, сформировавшееся в этой уникальной среде, он прожил там три года, плотно общался с людьми и в итоге смог завоевать их доверие. Благодаря авторской чуткости простой на вид рассказ о медленно угасающей глубинке превратился в тонкую, глубокую и неуловимо очень печальную притчу о тщетной попытке людей защитить маленький природный оазис от шагающей тяжелой поступью цивилизации.

Никто не спорит, что технологическое развитие – вещь закономерная и жизненно необходимая, но сама природа была, есть и будет самой естественной для человека средой, которая и прокормит его, и душевные раны исцелит одним лишь цветочным ароматом или удивительно красивым пейзажем. А еще в разрушении хрупкой внутренней вселенной Вальбоны Герин видит главную трагедию – утрату едва обретенного хрупкого мира между людьми, в котором нет ненависти и предубеждений. Не прибегая к плакатной идиллии или слащавым гиперболам, Герин запечатлевает, как на самом деле просто жить вместе самым разным людям, невзирая на национальность, культурные особенности или религиозные взгляды, поскольку в глубине души каждый нормальный человек на планете хочет только одного – спокойной, тихой жизни, зная, что ни ему саму, ни его близким ничего не угрожает, а к другу или соседу в любой момент можно обратиться за помощью и поддержкой. Ведь все мы свидетели тому, какой ад наступает, когда глобальное вмешивается в личное и напрочь уничтожает все на своем пути, прикрываясь якобы благими и оправданными намерениями, забывая, что гуманизм – самая важная ценность для человеческой расы.

- - - - - - - - - -
#Киномнение
🔥 Cкоро #ВпереводеGenco

Очень страшное кино / Scary Movie (2026)
Режиссер: Майкл Тиддес
Оценка: ★★

✍️ Угорать над франшизой «Очень страшное кино» я перестал после третьей части, когда некогда похабная, но реально смешная пародия начала скатываться в лютую дичь на уровне фильмов Джейсона Фридберга и Аарона Зельцера (кто смотрел хотя бы один «шедевр» - знает, о чем идет речь). Увы, с тех пор в жанре кинопародии так и не появилось режиссеров уровня Джерри Цукера, зато вновь напомнили о себе братки Уэйансы, решившие реанимировать «Очень страшное кино», обсмеивая не столько штампы жанра, сколько соцреалии XXI века.

Сюжет описывать смысла нет, это совершенно неуклюжая пародия на последние «Крики», в которых сценарий являет собой дикую мешанину из многочисленных хитов последних пары-тройки лет, удовольствие от которой могут словить лишь те, кто ностальгировал все это время по Синди Кэмпбелл, Бренде, Мелкому и прочим отбитым персонажам «ОСК», попутно считая, сколько всего фильмов попало под обстрел братьев Уэйансов – от «Грешников» и «Хэллоуина» до «Субстанции» и «Собирателя душ». Во время просмотра возникло такое чувство, что братки все эти годы пребывали в обдолбанном состоянии и начисто выпали из реальности, поскольку очевидно не просекают, что понятия смешного и остроумного за эти годы сильны изменилось, хотя иначе они, наверное, просто не могут.

На час экранного времени проскакивают примерно одна-две удачные шутки, куча знаменитых киносцен высмеивается по-дурацки и без изюминки, ну а когда в кадре становится слишком много Уэйансов, зрелище оказывается и вовсе невыносимым, поскольку все, что могут эти двое – дико орать, повторять через каждое слово «ниггер», упарываться дурью и дрыгать конечностями под «чумовое музло». Зато немного улыбнуло при обстебывании дебильного детского мема «сикс-севен» - и на том спасибо. Но больше не надо.

#Киномнение

Горькое Рождество / Amarga Navidad (2026)
Режиссер: Педро Альмодовар
Оценка: ★★★★

✍️ Самый сентиментальный кинохулиган Испании Педро Альмодовар с годами начал подводить итоги жизни и творчества, как и многие известные режиссеры. Результатом подобной рефлексии стала одна из его лучших работ, пронзительная ироничная драма «Боль и слава» с участием великолепных Антонио Бандераса и Пенелопы Крус. Картина точкой в его карьере не стала – Педро даже успел снять свой первый англоязычный фильм, , но было очень хорошо заметно, что Альмодовару все же стоит вернуться в родную среду, где ему ощутимо комфортнее. И он вернулся.

Действие фильма «Горькое Рождество», название которому дала одноименная песня Чавелы Варгас, происходит в двух плоскостях – 2004 и 2025 году. Линия, развивающаяся 20 с лишним лет назад, рассказывает о постановщице Эльсе, которая страдает от приступов панических атак и пытается написать сценарий к своему третьему фильму, хотя первые два провалились в прокате. Героем современного отрезка становится режиссер и сценарист Рауль, который тоже работает над сценарием новой картины и берет за основу характеров образы своих близких.

Сразу стоит оговориться, что шедевра от данной картины ждать не стоит – «Горькое Рождество» заметно проще той же «Боли и славы», «Возвращения» или «Все о моей матери». На новую степень откровенности эта его киноисповедь тоже не тянет, однако видно, что воздух родных краев его несомненно вдохновляет и заставляет наполнить жизнью даже самые клишированные моменты. Важно отметить, что отчетливо «стриминговая» внешняя форма картины является художественным замыслом, поскольку Альмодовар здесь не столько делится самым сокровенным, сколько размышляет о будущем знаменитых режиссеров, давно снявших своих лучшие фильмы, чьи новые творения будут приняты публикой по инерции и в результате окажутся на какой-нибудь онлайн-платформе, а не в домашней видеотеке - именно так снимал в последние годы Вуди Аллен.

Необходимой глубины и более сильного нервозного нажима картине не хватает, это факт, как и участия звезд первой величины. Однако люди, занятые в фильме, далеко не последние лица в испанском кинематографе. Они харизматичны, талантливы, сотрудничали с Альмодоваром не раз и в кадре работают безукоризненно – это импозантные интеллигенты Леонардо Сбаралья и Барбара Ленни, холодная и в то же время импульсивная Айтана Санчес-Хихон, а также ранимая и чувствительная Милена Смит (Росси де Пальма тоже появится в эпизоде, ждите). Их игра завораживает, ближе к финалу появляется неплохой драматический накал, а сам фильм начинает восприниматься как несколько робкое, но все же неглупое и взывающее к рефлексиям зрелище на тему переосмысления роли творчества в жизни большого художника, от которого все ждут как минимум шедевра.

Разумеется, режиссеры в фильмах Альмодовара были и будут его альтер эго , посредством которых Педро изучает самого себя и честно обвиняет в самоповторах, затянувшейся скорби по умершей матери, отстранении от близких в ущерб работе и эксплуатации их образов в сценариях. А также всем фильмом он задает главный вопрос – имеют ли право великие кинотворцы почивать на лаврах и потчевать публику проходным контентом лишь потому, что некоторое время назад их имя стало брендом.

#Киномнение #ВпереводеGenco

🔥 Работа над переводом фильма завершена, скоро ждите субтитры в нашем канале Genco - напоминаем, что Альмодовара переводили только с испанского, в его случае иначе просто нельзя

Впервые замужем (1979)
Режиссер: Иосиф Хейфиц
Оценка: ★★★★

✍️ Лихие 90-е прошлого века наложили свой отпечаток на все сферы нашей жизни, в том числе пострадала культура. Особенно безжалостно это время похоронило творчество многих советских актеров, по причине отсутствия качественного материала не сумевших найти себя. Хотя замечательная актриса Евгения Глушенко в девяностых-нулевых еще мелькала на экране, свои лучшие роли она (между прочим, обладательница «Серебряного Медведя» Берлинского МКФ за лучшую женскую роль в картине «Влюблен по собственному желанию») сыграла в 70-х/начале 80-х годов. Одним из таких ярких образов стала скромная Тоня Болотникова, главная героиня экранизации рассказа Павла Нилина «Впервые замужем», поставленной классиком советского кино Иосифом Хейфицем («Большая семья», «Дорогой мой человек»).

Обладающая удивительно мягкой, располагающей и какой-то особенно светлой внешностью, актриса практически повторила подвиг Софии Лорен в «Чочаре», в возрасте 27 лет сыграв зрелую женщину, мать уже взрослой дочери (невозможно поверить, что разница в возрасте Глушенко и её экранной партнерши Светланы Смирновой составляла всего 4 года!). Её Тоня оказалась полнейшим антиподом главной героини из «Москва слезам не верит» - не сумевшая добиться больших высот, денег и положения мать-одиночка, жизнь положившая ради счастья и благополучия единственной дочери, которой в итоге оказалась не нужна, и то, как актриса воплотила этого персонажа в жизнь, вызывает лишь восхищение ее выдающимися драматическими способностями.

Уверен, что кто-то назовет эту женщину «тряпкой», мол, смысл было гробить себя рядом с такой эгоисткой, но стараниями Глушенко её Тоня выведена столь чистой, жертвенной и искренней, что здесь важно понять одно: перед нами настолько добрый человек, что он физически не может принять и осознать горький факт, что его любимый единственный ребенок – простите, не подобрать другого эпитета, самая настоящая мразь (Светлану Смирнову весь фильм хочется задушить, и это, кстати, большой комплимент актрисе). Особенно ранит сердце её закадровый голос, робко извиняющийся за то, что она посмела искать счастье для самой себя, или в сцене, когда она, идя по ночному городу в никуда, читает вслух письмо, отправленное в последней надежде на знакомство. Тем удивительнее, что грим (вернее, его отсутствие в большинстве сцен) или мешковато-нелепая одежда были совсем ни при чем – абсолютно всё, требовавшееся для создания образа взрослой, уставшей от жизни женщины «за сорок», актриса сыграла сама, превратившись из 27 летней самой себя в отчаявшееся, забитое существо с большим житейским багажом, поразив зрителя трогательностью своей героини и талантом к невероятному перевоплощению.

#Киномнение

#ПРЕСС_ПОКАЗ: Ешь. Молись. Худей / Saccharine (2025)
Режиссер: Натали Эрика Джеймс
Оценка: ★★

✍️ Австралийская постановщица Натали Эрика Джеймс громко заявила о себе, выпустив впечатляющий дебют – мрачную хоррор-драму , в которой изящно и в то же время с высоким трагизмом рассказала о том, как неизлечимая болезнь и старость уродуют человека, превращая его в жуткого монстра. После этого она выпустила провальный приквел культового «Ребенка Розмари» под названием, больше напоминающий его неказистый ремейк, и наконец решила подправить резюме фильмом на модную в последнее тему бодишейминга и прочих ужасов телесных модификаций под названием «Сахарин», переделанный рослокалиазторами в «Ешь, молись, худей».

Вопреки названию, это не хоррор-версия известного бестселлера Элизабет Гилберт, а вполне самостоятельная история о студентке медвуза Хане, которая тратит время не столько на учебу, сколько на отчаянные попытки похудеть. Случайно встретив бывшую одноклассницу Мелиссу, испытывавшую ранее те же проблемы с весом, Хана узнает от нее рецепт чудодейственного преображения – нет, это не «Оземпик», а сверхсовременные капсулы под названием «Зола», в которых находится э-э-э... человеческий прах. Поверив Мелиссе на слово, Хана решает употребить одну капсулу, ну а поскольку доступ к исходному материалу у нее не ограничен, девушка начинает самостоятельно изготавливать «волшебную пилюлю». Правда, у нее обнаруживается один побочный эффект – Хане повсюду мерещится призрак покойницы, чьи части тела она использовала в качестве, хм, лекарства.

Уже с первых кадров понятно, что Джеймс со своим детищем очень хочет встать в один ряд с хитами Дэвида Кроненберга вообще и новомодной «Субстанции» Корали Фаржа в частности. Правда, исполнительница главной роли Мидори Фрэнсис не столь харизматична, как Деми Мур, однако играет вполне достойно, по сути, оказываясь единственным стоящим компонентом во всей картине. Огромным минусом фильма является мутный и чудовищно непроработанный сценарий, поскольку складывается ощущение, что сама Джеймс писала его в жуткой спешке, торопясь побыстрее выжать максимум из трендовой темы, пока она еще всем окончательно не надоела. В результате кино движется рывками, абсолютно неубедительно и сыро в психологическом плане, поверхностно работает с портретом главной героини и хоррор-составляющей, а также испытывает колоссальные проблемы с логикой.

Схема воздействия «человеческой» золы на обмен веществ живого организма внятно не объяснена даже сквозь призму фантастики, а с чего девушка с медицинским образованием (причем ее лишний вес отнюдь не был критическим) с такой легкостью приняла на веру несусветную антинаучную ахинею (глупее была только с Кейт Хадсон и Элизабет Мосс), не проведя при этом никаких исследований, и вовсе не уточняется. Зато Джеймс делает все возможное, чтобы зрителя во время просмотра мутило в режиме нон-стоп – для этого на разные вкусности в кадре накладываются тошнотворного цвета фильтры, процесс приема пищи демонстрируется максимально отталкивающе, ну а копание в чьих-то внутренностях и вовсе обязательная часть программы. Но увы, кино практически не работает ни как серьезная психологическая драма о неприятии себя, ни как научная фантастика, ни даже как банальный хоррор с привидениями, поскольку эпизоды с призраками поставлены топорно и ни капли не пугают, зачастую вызывая кривую усмешку. Так что не забывайте простое правило: сахар портит фигуру, а плохое кино – вкус, и потому придерживайтесь полезного питания как для тела, так и для разума.

🔥 Отважные желудком товарищи и просто поклонники физиологического хоррора могут отправиться за лишними калориями в российские мультиплексы уже завтра – компания «World Pictures» начинает прокат «Ешь. Молись. Худей» с 13 августа.

- - - - - - - - -
#Киномнение

Роза Невады / Rose of Nevada (2025)
Режиссер: Марк Дженкин
Оценка: ★★★★

- 30 лет назад из маленького портового городка в Корнуолле вышло в море рыболовецкое судно «Роза Невады» и обратно так и не вернулось. Жители со временем кое-как примирились с трагедией и потому для Майка, бывшего владельца лодки, стало настоящим потрясением ее неожиданное появление в местной бухте. Даже не пытаясь разгадать тайну судна, Майк решает вновь отправить его в море, предварительно собрав команду из старого морского волка Мёрги, бродяги-разнорабочего Лиама и местного парня Ника, которому позарез нужна работа. Они возвращаются с богатым уловом, но внезапно Ник понимает, что они каким-то образом вернулись на 30 лет назад и теперь их с Лиамом почему-то принимают за бывших членов команды корабля, покойных Алана и Люка.

✍️ Английский режиссер Марк Дженкин прославился своей дебютной полнометражной картиной «Наживка», мигом принесшей ему премию BAFTA как лучшему дебютанту. Атмосферная драма, рассказывающая о тлетворном влиянии туризма на прибрежные городки, стала первой в так называемой «корнуолльской» трилогии, продолженной фильмом «Каменный остров» и завершенной фантастической картиной «Роза Невады», которую на некоторых сетевых ресурсах подают как мистический хоррор, что совсем не соответствует истине. С точки зрения драматургии, картина не содержит особых сюрпризов или крутых финальных финтов – это вполне классическая история о темпоральных сдвигах и закольцованных событиях. «Роза Невады», скорее, вызывает больший интерес своим специфическим авторским нарративом, что превращает фильм скорее в упражнение в киноязыке и построении атмосферы.

С одной стороны, можно понять людей, которые преподносили картину Дженкина как хоррор. Похоже, основной целью режиссера становится создание у зрителя стойкого чувства тревоги и дискомфорта, когда источник беспокойства в кадре не определен. При этом все события преподнесены сквозь фильтр слегка искаженной реальности, еще не переступающей грань сюра, но максимально близко к ней приближающейся. Специфика восприятия обусловлена еще и технической стороной - как и предыдущие фильмы Дженкина, «Роза Невады» была снята на пленочную 16-миллиметровую камеру Bolex с ручным заводом, пружинный механизм которой позволял снимать сцены длиной максимум 27 секунд (во время съемок данного фильма пружина лопнула и Дженкину пришлось задействовать другие оборудование для завершения работы), а из-за треска устройства все диалоги и фоновые шумы приходилось добавлять в ходе пост-продакшена. Именно столь скрупулезный ретро-подход Дженкина к воссозданию ожившей на экране старины, безвременья и общего «дереала» превращает кино в смачный, обволакивающий и гипнотический экспириенс, разговаривающий со зрителем не столько на языке логики и здравого смысла, сколько опирающийся на чувственное восприятие аудитории.

#Киномнение #ВпереводеGenco

Милые 16 лет / Sweet Sixteen (2002)
Режиссер: Кен Лоуч
Оценка: ★★★★

- 15-летний Лиам, что называется, типичный «трудный подросток» из шотландского городка Гринок – мать сидит в тюрьме, отчим и дед торгуют наркотиками, вынуждая парня участвовать в их грязном бизнесе, а у самого пацана нет никакого шанса заработать приличные деньги иным способом. Вот только юноша вовсе не подонок и не прожженый драгдилер: у него от природы доброе сердце и потому он любыми средствами пытается приобрести жилье, где мог бы вместе с сестрой Шантель, ее малышом и их матерью начать жизнь с чистого листа. Однако среда, в которой взрослеет Лиам, не позволит его светлым мечтам осуществиться, заодно разрушив самое святое – веру в близких.

✍️ Данную картину Кена Лоуча совершенно точно можно назвать одной из самых злых, жестоких и бескомпромиссных в его фильмографии. Дело вовсе не в зашкаливающем количестве обсценной лексики (слово «fuck» и его производные звучат 313 раз, а максимально табуированное в англоязычной среде ругательство «cunt» - 20), заставившей британских цензоров запретить фильм к просмотру зрителям младше 18 лет, что вызвало праведный гнев самого Лоуча и сценариста Пола Лаверти (к слову, удостоенного приза Каннского кинофестиваля за лучший сценарий). Фильм также не прибегает к физическому ультранасилию, а сосредотачивается на главном: наблюдении за тем, как чистую от природы и светлую душу безжалостно губит токсичная среда, отравляя любые попытки Лиама стать нормальным человеком, что усугубляется тлетворностью выбранного им жизненного пути, поскольку какими бы благими намерениями ни была выложена дорога в ад, она приведет лишь к одной цели и ни к какой больше.

В событийном плане данная картина, возможно, не станет большим откровением, поскольку Лиам мало чем отличается от многих экранных трудных подростков, вынужденных мириться с реалиями того болота, в котором они увязли с рождения, поскольку тот же Лоуч не раз об этом снимал. Однако не перестает удивлять то, насколько индивидуальными и эмпатичными каждый раз выходят рассказанные им истории, с какой тонкостью и эмоциональной силой он поэтапно фиксирует возвышенные мечты и душераздирающие тяготы своих юных героев, сыгранных молодыми дарованиями без малейшей фальши и на колоссальной самоотдаче, на которую способны далеко не каждые взрослые. И потому разрывается сердце, когда пассивно наблюдаешь за тем, как чистую душу, стремящуюся к лучшему будущему, способную любить, проявлять ответственность и заботу, безжалостно тянут на дно отпетые подонки, методично убивая в ней все человеческое.

- - - - - - - - -

🔥 На просторах Сети эта картина на данный момент присутствует лишь в жуткой озвучке, которая представляет собой вымышленный пересказ фильма, основанный на фантазии «переводчиков» и их абсолютном непонимании шотландского говора. Совсем скоро ждите правильные сабы от команды Genco, честные, злые, настоящие и без какой-либо цензуры, поскольку для эмоциональной и смысловой ткани фильма она без преувеличения губительна. Надеемся, Лоуч будет нами доволен)
- - - - - - - - - -
#Киномнение #ВпереводеGenco

Таинственное убийство (В ночь на 12-е) / La Nuit du 12 (2022)
Режиссер: Доминик Молль
Оценка: ★★★★

✍️ Говоря о работах Доминика Молля, режиссера «Лемминга», «Гарри –друг, который желает вам добра» и «Магии зверя», как правило, начинаю отзыв со слов, что он пока еще не снял ни одного настоящего шедевра, однако все его работы оказываются как минимум качественными и небезынтересными. Особенно ловко ему удается жонглировать жанровыми составляющими и пускать зрителя по ложному следу, заставляя ожидать развития тех событий, что никогда не произойдут в дальнейшем. Именно этим может похвастаться замаскированная под детективный триллер драма «Таинственное убийство», сценарий которой основан на реальных фактах.

Двое полицейских заняты расследованием чудовищного преступления – в парке найдено тело молодой девушки Клары, которая возвращалась ночью от подруги и была заживо сожжена неизвестным. Суровым копам поначалу кажется, что улик хоть отбавляй и они вот-вот схватят убийцу. Но раз за разом все доказательства лопаются, как мыльный пузырь, а желание добиться справедливости оборачивается полным опустошением и профессиональным выгоранием.

Молль с самого начала не обещает зрителю ничего хорошего, в том плане, что сразу становится очевидно: расследование так ничем и не кончится и завязка фильма будет абсолютно тождественной его финалу. Это может сильно разочаровать зрителя, настроившегося на крепкий полицейский процедурал, и в итоге заставит почувствовать себя обманутым, но Молль не ставит своей целью добиться на экране непременного наказания за преступление. Хотя наблюдений за следственными действиями тут будет с избытком, картина максимально аскетичным, бытовым языком препарирует в первую очередь одно очень неприятное чувство, возникающее при бессилии хороших людей перед злом, как и невозможности узнать единственную Правду, пускай многие утверждают, что у нее не бывает разновидностей. Законы вселенской несправедливости, правящие нашим миром, у Молля простираются далеко за стены полицейских кабинетов и домов подозреваемых, каждый из которых оказывается еще тем подонком.

Таким образом, при весьма скромной форме, «Таинственное убийство» оказывается полноценной притчей о невозможности постижения истинной сути многих вещей, с чем остается только смириться и либо продолжить свое дело дальше, либо отойти в сторону, пока этот жуткий вакуум не вытянул остатки веры в человечество, оставив наедине с тотальным разочарованием. Поэтому неудивительно, что, не будучи особо гениальным творением, картина заслуженно стала триумфатором национальной премии «Сезар», завоевав 6 наград, включая победу в категориях «лучший фильм», «лучший режиссер» и «лучший адаптированный сценарий».

#Киномнение

📆 #КИНОМЕСЯЦ: КАК Я ПРОВЕЛ ЭТИМ ЛЕТОМ

🔥 Друзья, в связи с исключительно высокой рабочей занятостью в последнее время, включая переводы, удалось написать совсем мало отзывов (обязательно исправлюсь), да и летних просмотров выдалось не так много. В этот раз не стал делать месячный отчет, а сразу же выкатил подборку оценок по итогам увиденного за минувшее лето, так что ловите и ждите новых отзывов, возвращения к старым рубрикам и лонгриды, они обязательно будут. Ну и заглядывайте за нашими переводами в канал Genco, впереди еще много интересного!

🌞 ИЮНЬ/ИЮЛЬ/АВГУСТ-2026

🎬 Бедняжка / Poor Cow (1967): ★★★★
🎬 Бухта вдов. Сезон 1 / Widow's Bay (2026): ★★★★
🎬 Горькое Рождество / Amarga Navidad (2026): ★★★★
🎬 Демонолог / Never After Dark (2026): ★★★★
🎬 Дэвид и Лиза / David and Lisa (1962): ★★★★
🎬 Зловещие мертвецы: Пекло / Evil Dead Burn (2026): ★★★★
🎬 Истории из Доброй долины / Historias del Buen Valle (2025): ★★★★
🎬 Каштановый человечек: Прятки / Tælle til En, tælle til To (2026): ★★★★
🎬 Колония / Gunche (2026): ★★★★
🎬 Милые шестнадцать лет / Sweet Sixteen (2002): ★★★★
🎬 Мэри Райли / Mary Reilly (1996): ★★★★
🎬 Потоки любви / Love Streams (1984): ★★★★
🎬 Роза Невады / Rose of Nevada (2025): ★★★★
🎬 Слова, написанные на ветру / Written on the Wind (1956): ★★★★
🎬 Смерть Робин Гуда / The Death of Robin Hood (2026): ★★★★
🎬 Хокум / Hokum (2026): ★★★★

- - - - - - - -

🎬 Большая арка / L'Inconnu de la Grande Arche (2025): ★★★
🎬 Долина улыбок / La Valle dei Sorrisi (2026): ★★★
🎬 Закулисье реальности / Backrooms (2026): ★★★
🎬 Мать Мария / Mother Mary (2026): ★★★
🎬 Обсессия / Obsession (2025): ★★★
🎬 Призрак в клетке / Hantu Dalam Sel (2026): ★★★

- - - - - - - - -

🎬 День разоблачения / Disclosure Day (2026): ★★
🎬 Дьявол носит Prada 2 / The Devil Wears Prada 2 (2026): ★★
🎬 Ешь. Молись. Худей / Saccharine (2025): ★★
🎬 Мектуб, моя любовь / Mektoub, My Love: Canto Uno (2018): ★★
🎬 Очень страшное кино / Scary Movie (2026): ★★

Смерть Робин Гуда / The Death of Robin Hood (2026)
Режиссер: Майкл Сарноски
Оценка: ★★★★

✍️ В массовом сознании имя Робин Гуда давно стало нарицательным и порождает в воображении образ благородного разбойника, который «крадет у богатых и раздает бедным». С данной точки зрения персонаж рассматривался в десятках картин, однако фильм Майкла Сарноски («Свинья», «Тихое место. День первый») преподносит Робин Гуда как жестокого кровожадного бандита, в чьих поступках вряд ли можно разглядеть благородные порывы, однако сам он при этом не лишен совести, доброты и сострадания.

По сюжету фильма, Робин Гуд (Хью Джекман) к старости оказывается не народным любимцем, а угрюмым отшельником, скрывающимся под чужим именем и осознающим, что вся его жизнь состояла из бесконечной череды грабежей и убийств. Пытаясь помочь своему соратнику Малышу Джону (Билл Скарсгард) отбить ферму, Робин получает тяжелые ранения и оказывается в уединенном монастыре, где за ним ухаживает самоотверженная сестра Бригида (Джоди Комер). Там в черством сердце старого разбойника постепенно начинают зарождаться светлые чувства и он понимает, что не может завершить свой путь на этом свете, не освободив душу от груза невыносимой вины за свои злодеяния.

Хотя картина начинается как брутальное и кровавое историческое побоище, кино после пролога перестает налегать на экшн и превращается в атмосферную, созерцательно-медитативную драму об осознании скорой смерти и неотвратимости воздаяния за грехи прошлого, отчего критики и прозвали кино «Средневековым Логаном». Возможно, сюжет картины шибко увлекательным не назовешь, да и психоаналитические мотивы вряд ли тянут на откровения, однако «Смерть Робин Гуда» держится на плаву благодаря довольно сильным козырям – отличной актерской игре Хью Джекмана и Джоди Комер, изысканной операторской работе и густой атмосфере в духе картин Роберта Эггерса.

- - - - - - - - -
#Киномнение
🔥 Скоро #ВпереводеGenco

📷 «Истории из Доброй долины» в лицах, пейзажах и судьбах
- - - - - - - - -
Оператор: Алисия Альминьяна
- - - - - - - - -
#Киномоменты

Вершина / Apex (2026)
Режиссер: Бальтасар Кормакур
Оценка: ★★

✍️ Никогда не был большим поклонником голливудского творчества исландского режиссера Бальтасара Кормакура, помешанного на теме экстрима и всяческой «выживальщины» типа «Эвереста» и «Во власти стихии». Но при всем при этом не ожидал от него такой откровенной фигни, как «Вершина», которую не спасают даже Шарлиз Терон с Тэроном Эджертоном.

Лауреатка «Оскара» играет отбитую до мозга костей экстремалку Сашу, которая после гибели партнера (лихо выпиленный в самом начале Эрик Бана) в горах решает устроить себе еще более экстремальную встряску. Чтобы больше никого не угробить, она отправляется в одиночное путешествие по Австралии с целью покорить опасные речные пороги самолично. Там адреналина она получит еще больше, чем рассчитывала, когда нелепый очкарик, встреченный ею в австралийской глуши, окажется опасным маньяком, что обожает слушать на телефоне The Chemical Brothers и засаливать в пещере человеческие трупы. Ням.

С чем в картине полный порядок, так это с техническим уровнем - снято кино очень красиво, картинка поражает роскошными ландшафтами и панорамами, а камера то и дело выписывает головокружительные пируэты. Но ко всему этому быстро привыкаешь и начинаешь требовать от кино того, чего оно, увы, предложить совсем не в состоянии - нешуточного напряжения, сопереживания и отчаянной битвы за выживание, снятой толково и ловко.

Терон в свои 50 находится в отменной физической форме и складывается ощущение, что только ради демонстрации ее силовых способностей кино и затевалось, поскольку лента напоминает сборник всех самых примитивных клише, которые только можно было найти в «маньячных» триллерах 90-х. Играть что-то более сложное ей, к сожалению, попросту негде, поскольку ее героиня выписана предельно одномерно, никакого бэкгрануда, как, например у Сандры Буллок в «Гравитации», у нее и в помине нет. А Эджертон настолько перегибает палку в изображении эксцентричного психа, что невольно напоминает пародию на всех виденных в кино категории «Б» психопатов, вместе взятых, чем не пугает, а смешит или даже раздражает.

Отдельная тема - нелепые перемещения героев по сложной местности, когда кто-то умудряется пересечь огромные расстояния словно телепортируясь, либо спокойно несется по лесным дебрям с такой легкостью, будто там проложены велосипедные дорожки с удобным покрытием. Что касается спортивных навыков героини, то здесь авторы решили переплюнуть самого Тома Круза из «Миссии невыполнима» (а заодно и Человека-паука) и показать, как наша Саша умеет не только сосать сушки на шоссе, но и нарушать законы физики и возможности человеческого тела без какой-либо экипировки и волшебных дивайсов. Так что мой скромный совет - пересмотрите лучше «Дикую реку» с Мерил Стрип.

#Киномнение

🎭 #КИНОПОРТРЕТЫ: Кейт Уинслет 💔
- - - - - - - - - -
Фильм: Чтец / The Reader (2008)
Операторы: Роджер Дикинс, Крис Менгис

Запретная зона / Chernobyl Diaries (2012)
Режиссер: Брэдли Паркер
Оценка: ★★

✍️ Сегодня ровно 40 лет со дня трагедии на Чернобыльской АЭС, и если с великолепным сериалом от HBO все уже давно ознакомились (а если нет, то почитать можете https://telegra.ph/CHernobyl--Chernobyl-mini-serial-2019-05-06), то сегодня расскажу о том, как не надо снимать жанровое кино на «чернобыльскую» тему.

Хоррор об экстремальной экскурсии в Припять? Казалось бы, невозможно сделать лучший подарок фанатам «заброшек». Однако если в списке сценаристов присутствует фамилия братьев ван Дайк со студии Asylum, то на качественное жанровое кино можете не рассчитывать (см. неудачу Оливии Уайлд с «Не беспокойся, дорогая»). Авторы картины наивно полагают, что главное в фильме ужасов - антураж, а все остальное сработает на автопилоте, но это в корне неверное мышление. Хотя картина снята не в Припяти, как утверждали создатели, а в Венгрии и Сербии (и это хорошо заметно всем, кто видел хотя бы пару фото из реального мертвого города), давно покинутые «панельки» и заросшие травой улицы действительно создают нужную атмосферу, особенно эффектно все это смотрится, когда похожие на склепы пустые дома окутывает постепенно сгущающийся мрак. Загвоздка в том, что мрачного бэкграунда для хорошего фильма мало, поскольку чем дальше кучка плоских, как картонка, героев двигается навстречу своей гибели, тем глупее и неадекватнее становятся события.

Умолчим о том, что сюжет тупо оскорбителен для всех, кто пострадал от чернобыльской трагедии и её последствий. Знания сценаристов о катастрофе почерпнуты из википедийной статьи, которую прочли по диагонали, элементарная логика послана лесом, а все остальное – лютый бессвязный бред и антинаучная чушь. Представляя главной угрозой Припяти заныкавшихся по ее углам мутантов, которые живут прямо в реакторе (!), авторы не сумели элементарно проявить фантазию и выдать кровавую феерию в духе «У холмов есть глаза», поскольку каждый раз, как только в кадр попадает кто-то из неведомых монстров, у оператора случается жесткий эпилептический припадок, не позволяющий ничего рассмотреть.

Чего здесь хоть отбавляй, так это примитивных клише, предельно идиотских поступков, когда опытный здоровенный мужик берет пистолет и чешет в непроглядный мрак в одиночку, а также убийственно тупых реплик типа «Зачем туда лезть, там опасно! Да, но мы пойдем!» или дублирования очевидного словами «Боже мой, это мертвый солдат! Боже мой, погас свет! Боже мой, радиация усилилась!». Низкая профессиональная квалификация создателей не позволяет хотя бы замаскировать все эти глупости как следует, отчего в последние 15 минут рука намертво прилипает к лицу и держится там до самых титров, так и оставив в неведении относительно вопроса «а где те самые чернобыльские дневники», обещанные оригинальным названием.

#Киномнение

Президентский торт / Mamlaket al-qasab (2025)
Режиссер: Хасан Хади
Оценка: ★★★★

✍️ Фильмами о патологической сути диктаторских режимов, их пагубном влиянии на народ и страну до краев наполнены программы большинства кинофестивалей. Но одно дело снять очередной политманифест, гораздо труднее - превратить такой лозунг в душевную повесть, где посылы не выпячиваются топорным образом, а мягко подаются через обаятельных героев и ситуации, в которых они оказываются. Именно это с лихвой удалось режиссеру Хасану Хади, чей фильм «Президентский торт» завоевал на МКФ в Каннах «Золотую камеру» за лучший дебют и приз зрительских симпатий. Абсолютно заслуженно.

Начало 1990-х годов, Ирак под руководством президента Саддама Хусейна. После вторжения иракских войск в Кувейт страна находится под жесткими санкциями Запада, в результате чего испытывает острую нехватку продуктов и медикаментов. Тем не менее, несмотря на всеобщую разруху, экономический кризис и нищету, от населения требуют печь торты к каждому дню рождения президента. Сея «честь» выпадает девятилетней Ламии, которая живет с бабушкой и петухом Хинди в плетеной хижине на Месопотамских болотах. Поскольку ситуация безвыходная, бабушка и внучка отправляются в город, чтобы достать ингредиенты для торта, еще не зная, какой водоворот событий их ожидает.

Художественный прием «дети смотрят на мир», конечно, изобретен не Хасаном Хади, но под его руководством он звучит как-то по-особенному. Взгляд его маленькой героини на страну, утопающую в бедности и охваченную милитаристским фанатичным безумием, далек от суровой жести «Лабиринта Фавна», «Иди и смотри» или «Мальчика в полосатой пижаме». Маленькая Ламия, блистательно сыгранная юной Банин Ахмад Найиф, не имевшей за плечами никакого актерского опыта, но поразившей абсолютно взрослым пониманием роли, это ребенок с широко открытыми глазами, доверительно смотрящий на все, что творится вокруг, но имеющий при этом свое мнение об увиденном.

Понятно, что ее путешествие по Ираку девяностых это прежде всего экскурс по срезу эпохи, во время которого не только вскрывается социально-политический гнойник вместе с пороками общества, но и оживает дух страны с ее уникальными культурными особенностями и людскими характерами. В злоключениях Ламии находится место легкому ситуационному юмору, душевности и трогательным эпизодам, а уж чудесный петушок Хинди и вовсе заслужил отдельную премию.

Что касается самой Ламии, то ее образ это превосходно и очень тонко выписанный портрет человека, о которого в будущем сломают зубья режимные шестеренки, поскольку у нее есть одно важное свойство, опасное для каждой Системы - осмысление. Повторяя заученные на уроках речевки, славящие диктатуру, девочка чеканит их, как таблицу умножения и не принимает близко к сердцу, а поручение в виде торта воспринимается на начальном этапе лишь как обычное ответственное задание. Но чем сильнее Ламия столкнется с окружающей действительностью, тем быстрее в ее сознании зародится мысль: правильно ли живет страна, где не на что вылечить больную бабушку, за школьную форму нужно отдать последние ценные вещи, а президент требует, чтобы торты ему пекли те, у кого на муку и сахар нет ни гроша? И самое страшное ей еще предстоит в будущем - понять, как с этим знанием жить дальше и на что надеяться.

#Киномнение

📷 «Посторонний»: неспешный, завораживающий сеанс изысканного экзистенциализма от Франсуа Озона
- - - - - - - -
Оператор: Мануэль Дакоссе
- - - - - - - -
#Киномоменты

Любовь, которая остаётся / Ástin Sem Eftir Er (2025)
Режиссер: Хлинюр Палмасон
Оценка: ★★★★

✍️ Думаете, что в жанре семейной драмы сложно снять что-то оригинальное? Тогда с вами точно поспорит исландский режиссер Хлинюр Палмасон («Земля бога», «Белый, белый день»), чей фестивальный хит «Любовь, которая остается» разорвет все шаблоны относительно супружеских историй, рефлексирующих на тему жизни в период развода.

Формально, это рассказ о том, как супруги Анна и Магнус решают наконец расстаться. Анна занимается творчеством и пытается найти себя как художница, Магнус, будучи рыбаком на судне, часто уходит в море и старается навещать детей при каждом удобном случае, а ребята, в свою очередь, заняты самыми обычными подростковыми делами. Однако эта фабула лишь кажется банальной при описании, поскольку режиссура Палмасона наполняет сюжет яркими визуальными образами и сюрреализмом, разгадать подлинный смысл которого с первого раза будет не так-то просто.

Однако, если отложить расшифровку эпизодов, в которых оживают инсталляции или в помещение врываются гигантские петухи, на потом, картина в первую очередь заворожит вас своей хрупкой и прохладной, как окружающий пейзаж, нежностью. По сути, посредством хитрых изобразительных средств, метафор и аллюзий Палмасон рассказывает понятную на интуитивном уровне историю о том, как два взрослых человека так и не смогли найти один общий путь, но продолжают сохранять в сердце теплоту по отношению друг к другу, двигаясь при этом в разных направлениях.

Любование неповторимыми исландскими красотами, забавные бытовые сценки из семейной жизни, сопровождающиеся не менее забавными сочными фразочками, выхваченные из контекста рутинные моменты, рабочие и домашние будни, взгляды, слова и поступки - все это вплетается в хрупкий, дышащий морозной свежестью изящный узор, в глубине которого пульсирует нечто очень теплое, живое и настоящее, что так легко разрушить и погубить. И это едва уловимое отдаление взрослых друг от друга, все сильнее ощущающееся с течением времени, чувствует даже собака - милейшее существо по кличке Панда, чье появление в кадре справедливо отмечено на Каннском кинофестивале премией пальмовой собаки.

- - - - - - - - - -

‼️ Хотя на данный момент картина присутствует на рутрекерах с русскими субтитрами, их стилистическая ценность была весьма плачевна, поэтому нам поступил заказ на «правильный» перевод картины. Мы, переводчики команды https://t.me/genco_tm, искренне этому рады и, осознавая свою большую ответственность, уже приступили к работе над переводом фильма.
- - - - - - - - - -
#ВпереводеGenco

#ЛЕГЕНДЫ_ЗОЛОТОЙ_МАЛИНЫ: 💩Мэри Райли / Mary Reilly (1996)

Номинации:
Худший режиссер (Стивен Фрирз)
Худшая женская роль (Джулия Робертс)

- - - - - - - - -

✍️ В 90-х годах имя Джулии Робертс было фактически маркером стопроцентного хита, однако провалы не обошли стороной даже знаменитую «красотку» - например, драматический триллер Стивена Фрирза «Мэри Райли», переосмысляющий легендарную историю о докторе Джекилле и мистере Хайде. Хотя рассказ о фильме идет в рамках рубрики «Легенды Золотой малины» (а у фильма целых две номинации), я на сей раз выступлю адвокатом дьявола и буду больше защищать кино, чем ругать.

В основе фильма лежит не повесть Роберта Льюиса Стивенсона, а книга некой Валери Мартин, вдохновившейся готической классикой. Не читая роман, я, честно говоря, не совсем понял, что конкретно она хотела в эту историю добавить, разве что ввела некую женскую страдальческую фигуру (конкретно, служанку Джекилла Мэри Райли), по-разному реагирующую на две противоположные ипостаси главного героя и вроде как задуманную в качестве инструмента исследования женского положения в целом и сексуальности в частности в викторианский период.

Занималась проектом поистине выдающаяся команда: режиссер Стивен Фрирз надолго запомнился гениальной экранизацией Шодерло де Лакло, откуда привлек прежних коллег по проекту - актеров Джона Малковича и Гленн Клоуз, сценариста Кристофера Хэмптона, художника-декоратора Стюарта Крэйга и оператора Филиппа Руссло (изначально ставить картину намеревался Тим Бертон). Бюджет выдали для такого проекта немалый - 40 миллионов долларов, но что-то пошло настолько не так, что фильм не наскреб в прокате США даже 6 миллионов долларов.

Проблемы у «Мэри Райли», конечно, есть. Фрирзу внезапно изменило чувство ритма и он словно сам запутался в акцентах и не понял, как их расставлять, как и рассказывать историю последовательно и динамично. Сюжет вязнет в длиннотах, сцены подогнаны друг к другу слишком неуклюже, а ведущие звезды никак не могут создать между собой нужную химию. Но если Малкович безупречен в роли двуликого доктора, то Джулия Робертс в образе эдакой «девушки с жемчужной сережкой» тут откровенно плоха и очень редко выдает качественный перформанс, чаще расхаживая в кадре с двумя выражениями лица - словно ушибленная пыльным мешком или комично тараща глаза.

Так почему же это кино все-таки зацепило? Да, оно полно недостатков и его можно даже назвать скучным, но все эти недостатки и скука поданы, даже не знаю, с каким-то особым благородством и изяществом, что ли. Плюс у фильма великолепный дизайн, декорации здесь не производят впечатления музейщины или «павильонности», а кажутся суровой каменной тюрьмой, в которую угодила героиня, попавшая, по сути, в ловушку. Хэмптон все-таки выдающийся сценарист и драматург, поэтому диалоги у него красивы и элегантны, а сама история Джекилла и Хайда оживает по-новому и приобретает свежие нотки. Фрирзу чувство вкуса и меры порой изменяет, но в данном случае он демонстрирует свой несомненный талант к построению мизансцен, пускай довольно минималистичных, но ярких и очень образных.

#ЛегендыЗолотойМалины